Geh rüber, Michelangelo

Von [email protected] | am 25. Mai 2023

Wie trainierte Raupen kriechen Säulen aus buntem Papier über eine weiße Wand, während ein zartes Spitzenmuster spiralförmig einen Wirbel hinunterwirbelt.

In der letzten Ausstellung der Saison von Ann Norton Sculpture Gardens bieten Holz und Papier neue Interpretationen einer historisch von Männern dominierten Kunstform.

Als Fotos und Daten zum ersten Mal eine Botschaft übermittelten, waren Holz und Papier schon eine Weile am Werk. Es überrascht nicht, dass es sich hierbei um die Mittel und Methoden handelt, die von vier Bildhauerinnen gewählt wurden, die in „SculptHER“ hervorgehoben werden. Die diskrete Ausstellung zeigt 16 Werke unterschiedlicher Größe, doch am meisten überraschen die grenzenlosen Möglichkeiten der gewählten Materialien.

Für Julia Ibbini, eine in den Vereinigten Arabischen Emiraten ansässige bildende Künstlerin, liegt alles im Detail. Sie kombiniert traditionelles Handwerk, Computerdesign, Mathematik und Algorithmen, um komplexe Papierskulpturen zu schaffen, die unglaublich komplex sind. Das Nebeneinander von dekorativen Schleifen, rebenartigen Formen und anderen Naturmotiven mit verblüffender geometrischer Präzision zeichnet „Symbio Vessel 19.152.16“ aus.

Von der Seite betrachtet ist es ein ultramodernes Miniaturstadion mit unzähligen Sitzreihen, die übereinander geschichtet sind. Jede Schicht wird sorgfältig skizziert, lasergeschnitten und von Hand zusammengesetzt. Von oben, jenseits des schwarz-weißen Randes, beobachten wir, wie ein Netz organischer Säulen im Abgrund verschwindet. Während es sich spiralförmig dem Schwarzen Loch nähert, wird die exquisite Stickerei mit winzigen Blüten und Blättern kleiner und dunkler. Inspiriert davon denken wir über einen ähnlichen Sprung in unsere Höhle der Geheimnisse und dunklen Gedanken nach, doch der Sprung erfordert Verletzlichkeit – einen fragilen Fallschirm, dem wir nicht völlig vertrauen.

OBEN: Nicole Pietrantoni, „Aurora III“. • OBEN: Miriam Londoño, „Dialog I.“ MIT FREUNDLICHER FOTOS

Ibbinis Stücke spiegeln das Ballett wider. Sie sind arbeitsintensiv und erfordern viel Zeitaufwand, aber das Ergebnis ist elegant und mühelos. Sie belastet den Betrachter nicht mit Details des langen, mehrstufigen Prozesses, der in ihre Arbeit einfließt, sondern schont ihn, damit er sich an ihrer Kreation erfreuen kann.

„Ich hoffe, sie haben vielleicht ein Gefühl dafür, was erreicht werden kann, wenn verschiedene und vielfältige Disziplinen kombiniert werden“, sagte Ibbini.

Dieses Gefühl des Staunens treibt auch Nicole Pietrantonis Vision an.

Die akkordeonartige Komposition und die Skala warmer Töne, die das Licht der Morgendämmerung widerspiegeln, machen „Aurora V“ unterhaltsam und einladend. In dieser verspielten Installation, die als Raststätte in einer übermäßig anregenden Welt gedacht ist, bewegen sich gefaltete Papierstreifen auf unaufdringliche Weise an der Wand entlang. Unter den Nebenbögen schimmert ein rosafarbener Schimmer hervor. Bei näherer Betrachtung sind nur wenige Farben im Spiel. Wenn wir einen Schritt zurücktreten, erweitert sich das Spektrum um Farbtöne, die früher nicht erkennbar waren.

Julia Ibbini, „Symbio Vessel“ von oben mit freundlicher Genehmigung des Fotos

Bilder von Unkraut und Blumen prägen oft Pietrantonis Stücke. Sie treten sanft hervor, nicht zugespitzt, als wollten sie die Gesamtkomposition nicht überfordern oder die Aufmerksamkeit auf einen bestimmten Rahmen lenken. Dieser Fluss und diese Leichtigkeit sind ebenso wichtig wie die Lücken zwischen den Papiersäulen, die in „Aurora III“ in tiefere, sattere Töne getaucht sind. Diese Wüsten erinnern daran, dass die Vorstellung eines Gesamtbildes ein Trugschluss ist.

„Sie stellen die Unmöglichkeit dar, alles zu erfassen“, sagte Pietrantoni, der derzeit in Prag lebt. Sie beschreibt diese Serie als „eine Meditation über Farbe, Licht und die weitreichenden Möglichkeiten der Buchform“.

Übrigens erweitert die laufende Ausstellung, die bis Juni läuft, die Möglichkeiten für Bildhauerinnen wie sie.

„Es gibt eine reichhaltige, aber oft unerzählte und unterschätzte Geschichte von erstaunlichen Frauen, die auch skulpturale Werke schaffen“, sagte sie. „Ich bin froh, Teil dieser Linie zu sein.“

„Música“ (2020) von Miriam Londoño mit „Expose Exposed 211006“ (2021) von Cha Jong Rye im Hintergrund. GRETEL SARMIENTO / FLORIDA WÖCHENTLICH

In Ermangelung von Sprache neigen wir dazu, an Bände zu denken, so scheint es in einer cleveren Textinstallation, die aus zwei anonymen Büsten besteht, die aus Großbuchstaben bestehen. Die zunächst scheinbar zufällige Platzierung der Druckbuchstaben schafft es, bekannte Wörter hervorzubringen – LOVE…TIME… AGAIN –, bildet jedoch nie einen vollständig zusammenhängenden Satz.

„Dialog 1“ reflektiert den ständigen Kommunikationsfluss zwischen Menschen, der laut Miriam Londoño von unstrukturiert und repetitiv bis hin zu kreativ reicht. Sie bittet den Zuschauer nicht, in diesem rätselhaften Austausch aus ihrer „Monologues“-Reihe den Dolmetscher zu spielen. Inkohärenz kann eine Form der Barmherzigkeit sein. Es gibt Dinge, die besser unausgesprochen bleiben.

„Lose Buchstaben bieten der Fantasie eine latente Möglichkeit, daraus Wörter zu erschaffen und aus diesen Wörtern Geschichten und Träume mit anderen zu kommunizieren“, sagte Londoño.

Cha Jong Rye, „Expose Exposed“ FREUNDLICHES FOTO

Die kolumbianische Künstlerin greift auf Lebensgeschichten und ihre persönlichen Erfahrungen als Migrantin zurück, um ein Gefühl von Zerbrechlichkeit, Leere, Abwesenheit und Vergesslichkeit zu vermitteln.

Ein weiteres ihrer Stücke zeigt Kursivschrift und dient als Ode an Graffiti und Straßenkalligraphie. „Música“ ist lebhaft, in unruhigen Buchstaben wiedergegeben, die zu einer eigenen Melodie tanzen, als ob sie dem Trotz ihrer Muse entsprechen wollten. Und genau wie diese Muse gibt es beim Schreiben keine Schwankungen.

Es ist keine Überraschung, dass Londoño sich von der gestischen Aussage inspirieren ließ, mit der Straßengraffiti Widerspruch zum Ausdruck bringt.

„Es sind die stillen Stimmen, die vor Unzufriedenheit schreien und den tiefen Wunsch haben, um jeden Preis gehört zu werden“, sagte sie.

Meeres- und Berglandschaften inspirieren Cha Jong Rye, dessen an der Wand montierte Holzpaneele an Faltenlaken erinnern. Die hellbraunen Bilder wie „Expose Exposed 190508“ erinnern an geologische Modelle, die Geländeschichten freilegen. Auf ihnen bleibt ein kraterartiger Abdruck mit glatten Kanten zurück, der zum Nachdenken anregt: Eine Bruchlandung? Die Delle eines Powernaps?

Der koreanische Künstler schleift und schichtet Holzbretter akribisch, um so fremde Landschaften wie diese zu schaffen. Während ihres Prozesses gibt sie sich dem Willen ihrer dreidimensionalen Leinwände hin und lässt diese die endgültige Anordnung und den endgültigen Fluss bestimmen. Der Mangel an Erwartungen und gesetzten Zielen gibt dem Künstler die Freiheit, in jede Richtung zu gehen. Es gibt keinen Verrat oder Widerspruch, nur gegenseitiges Vertrauen.

Wenn wir dem Licht, den Schatten und den Wellen in „Expose Exposed 211006“ folgen, werden wir Zeuge, wie sich die Landschaft vor unseren Augen verändert. Das in Dunkelblau gehaltene außerirdische Stück scheint jemanden unter der Oberfläche zu verbergen, und die Tatsache, dass jemand aufgewacht ist, zieht den zerknitterten Stoff immer wieder zur Mitte und von den Rändern weg. Oder vielleicht ist alles ein Traum.

Projektion und Subjektivität sind für Jong Ryes Prozess von entscheidender Bedeutung.

„Die Freiheit des Betrachters, meine Arbeit aus einer einzigartigen Perspektive zu interpretieren“, sagte sie über die Long-Sharp Gallery, die die vier in der Ausstellung vertretenen Bildhauer vertritt. „Meine Arbeiten lassen die Erfahrungen und Energien des Betrachters in seine Wahrnehmung einfließen.“

Der kleine Rahmen, den der neu restaurierte Raum „SculptHER“ bietet, ermöglicht ein intimes Seherlebnis, das etwa 30 Minuten dauert. Das ist genügend Zeit, um zu erkennen, dass die Zukunft der Skulptur nicht in Form einer Bronze- oder Marmorschleuder kommen wird.

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